Его любимыми номерами были вещи из репертуара Рэя Чарльза (Ray Charles) "What'd I Say" и "Georgia оn My Mind". Бэк-музыканты, аккомпанировавшие Джону, именовали себя The Avengers. Час Х для Арнолда-Кокера и его команды наступил в 1963 году, когда они отыграли отделение на сцене шеффилдского Сити-холла перед концертом Rolling Stones. Как утверждали очевидцы, Ванс Арнолд и компания выглядели очень убедительно.
С газосваркой было покончено навсегда. В Англии родился новый артист, которого звали Джо Кокер. В 1964 году он тихо и скромно дебютировал с синглом "I'll Cry Instead", кавер-версией Beatles. Собрав новую бэк-группу Joe Cocker Big Blues, певец отправился знакомиться с публикой. Сначала с английской - на севере Великобритании, потом с европейской - во французской провинции и на воздушных базах США, расположенных на территории Франции. Американские военные, в основном выходцы из южных штатов, радушно принимали голосистого британца. Французы называли его "маленький Рэй Чарльз". К сожалению, возвращение на родину ознаменовалось печальным происшествием: во время одного из концертов под музыкантами провалилась сцена. Хотя артисты отделались синяками и легким испугом, это произвело гнетущее впечатление на фронтмена. Да и вся обстановка в команде не внушала оптимизма. Фактически после этого концерта Joe Cocker Big Blues перестали существовать.
Целый год Джо Кокер молчал. Не выступал, не записывался, не искал новых музыкантов. Дело сдвинулось с мертвой точки, только когда в его жизни появился Крис Стейнтон (Chris Stainton ), которого Джо впоследствии называл величайшим музыкантом в мире. На пару с Крисом они собрали отличную команду The Grease Band. Первые студийные демо-записи передали для знакомства Денни Корделлу (Denny Cordell), продюсеру The Moody Blues и Procul Harum. Корделлу очень понравилась вокальная манера Кокера, и он устроил певцу постоянные выступления в знаменитом лондонском клубе "The Marquee". Это было в 1968 году. В течение следующего года Джо Кокер из подающего надежды исполнителя блюз-рока шаг за шагом превращался в британскую рок-звезду. Начало положил первый громкий хит в его сольной карьере, лидер британского хит-парада - сингл "A Little Help From My Friends", очередная кавер-версия Вeatles (кавер-версии вообще сыграли отдельную роль в карьере музыканта, но об этом позже).
Через полгода о Джо Кокере узнала и Америка. Сколько угодно локальных концертов сами по себе не сделали бы того, что удалось одному-единственному появлению на телеэкране. Кокера пригласили в самое знаменитое на тот момент телешоу Эда Салливана (Ed Sullivan). Певец поразил воображение зрителей своим хриплым голосом и экспрессивным поведением. Реакция прессы на живое выступление Кокера, равно как и на две его первые пластинки "With a Little Help from My Friends" и "Joe Cocker!", уже изданные в США, была неоднозначной, но никому и в голову не приходило отрицать его оригинальный талант. Тем более что аккомпанировали артисту отличные музыканты, включая гитаристов Джимми Пейджа (Jimmy Page ) и Альберта Ли (Аlbert Lee). Обозреватель журнала "Life" очень своеобразно охарактеризовал имидж Кокера, назвав его "голосом всех слепых плакальщиков, сумасшедших попрошаек, несчастных калек, которые бродят по улицам. Кокер выразил то, что творится у них в душе и о чем никто не знает, то, что сами они никогда не сумели бы высказать".

На самом деле, конечно, Джо Кокер никогда не пел на улицах, а к моменту появления подобных комплиментов уже начал осваивать площадки крупнейших рок-фестивалей. Триумфальное выступление на сцене легендарного Вудстока перед полумиллионом зрителей в 1969-м, где артист позволил себе несколько дерзких выходок, сохранилось в аудиозаписи.
В 1970 году по обе стороны Атлантики вышел альбом Кокера "Mad Dogs and Englishmen". Певец рассказывал, что когда писал эти песни, то "мыслями парил где-то в небесах, на Венере, в открытом космосе". Этот двойной альбом, переживший несколько переизданий, остается великолепным образцом блюз-рока и софт-рока начала 70-х. Сопроводительный тур, проведенный вместе с неизменным продюсером и аранжировщиком артиста Леоном Расселлом (Leon Russell), вылился в лихой забег по 48 городам, которые музыканты прочесали за 56 дней. В дорогу вместе с ними отправилось еще 40 человек - менеджеры, дорожные техники, жены или подруги, дети, обслуживающий персонал, съемочная группа и даже любимые собаки. Практически везде выступления Кокера проходили на ура. Но возвращение в конечный пункт - Лос-Анджелес - напоминало пробуждение после длительного похмелья. Певец очнулся уставшим, издерганным и, по его словам, "совершенно разочарованным в рок-бизнесе". Хотя были и приятные моменты. Так, за один только 1970 год его диски в Америке принесли ему доход в три миллиона долларов. Все три первых альбома Джо Кокера стали платиновыми, а журнал "Playboy", подводя музыкальные итоги года, назвал его вокалистом номер один. В активе певца появился первый американский хит - кавер-версия "The Letter" группы Box Tops, которая финишировала в Тор 10. Это был первый пик его популярности в Штатах.
Десятилетие начиналось как будто бы неплохо, но 70-е годы оказались далеко не лучшим периодом в жизни артиста. Новые альбомы выходили достаточно регулярно: "Joe Cocker" (1973 год), "I Can Stand a Little Rain" (1974), "Jamaica Say You Will" (1975), "Stingray" (1976), "Luxury You Can Afford" (1978). Этими же годами датируются самые известные песни Кокера "You Are So Beautiful", "Guilty", "The Moons а Harsh Mistress" - его прижизненная классика. В частности, романтичная баллада "You Are So Beautiful" в 1975 году снова вернула имя артиста на первые строки мировых хит-парадов. Эта композиция сменила в американском Тор 5 еще один популярный сингл Кокера "It's а Sin When You Love Somebody". Хотя в остальном жизнь протекала в мрачных тонах. Певец остался без рекордингового контракта. Перед ним замаячила угроза алкоголизма. Выпивка разрушала не только его личную жизнь, но и мешала работе. Бывало, что и на сцену он выходил уже хорошо подогретым.
С началом 80-х жизнь Джо Кокера мало-помалу начала возвращаться в нормальное русло. После пятилетнего перерыва в 1982 году он подготовил интересную подборку нового материала "Sheffield Steel". Первоклассный интерпретатор блюз-рока и софт-рока, он представил яркие кавер-версии песен Рэнди Ньюмана (Randy Newman) "Marie" и малоизвестного номера Боба Дилана "Seven Days". Его дуэт с Дженнифер Уорнс (Jennifer Warnes) "Up Where We Belong", прозвучавший в фильме "An Officer аnd а Gentleman", номинировался на премию "Оскар". Песня приобрела международную популярность и стала первым американским хитом номер один в карьере Кокера. К тому же впервые сделала его героем церемонии вручения Grammy, победив в номинации "лучшее исполнение поп-песни".

До конца десятилетия были записаны еще четыре студийных альбома: "Civilized Man" (1984), "Cocker" (1986), "Unchain My Heart" (1987), а также "One Night of Sin" (1989), включавший хит из первой двадцатки "When the Night Comes", написанный Брайаном Адамсом (Bryan Adams). Хотя американские меломаны относились к этим релизам довольно вяло, все они становились платиновыми в Великобритании и хорошо принимались европейцами.
Карьера Кокера заметно оживилась в конце 80-х, когда группа The Crusaders пригласила певца исполнить специально написанную для него композицию "I'm So Glad I'm Standing Here Today". Текст песни почти буквально озвучивал его состояние, то, что ему пришлось пережить. Когда Кокер вышел с этим номером на сцену церемонии вручения Grammy в феврале 1992 года, публика аплодировала ему стоя. Джо Кокер словно переживал второе рождение. Огромную поддержку оказывала ему его новая подруга Pam (Пэм), которая в 1987 году стала его женой. В 1991 году певец записал хит Элтона Джона "Sorry Seems to Be the Hardest Word" для альбома-трибьюта Джону и Берни Топину (Bernie Taupin ) "Two Rooms". Альбом разошелся трехмиллионным тиражом во всем мире.
Новый лонг-плей Кокера "Night Calls" (1992) стал в США золотым, а во многих европейских странах собрал урожай платиновых сертификатов. В основном за счет заглавного сингла "Night Calls", написанного Джеффом Линном (Jeff Lynne). Следующий альбом 1994 года "Have a Little Faith", изданный на новом лейбле, был высоко оценен критиками, но, к сожалению, не получил необходимой промо-поддержки. Массовая публика его проигнорировала. Точно так же не стали запоминающимся событием и диски 96-97 годов: "Organic" и "Across from Midnight". Одна из главных творческих проблем Кокера - опора на чужой материал: львиную долю его записей составляют кавер-версии. Хотя продержаться больше 30 лет на международной сцене, опираясь только на интерпретацию чужих песен, - это тоже надо уметь.

Джо Кокера с его характерным хриплым вокалом, хотя и слегка утратившим колорит в борьбе с алкоголем, охотно приглашали создатели художественных фильмов. Его песни звучали в картинах "Harry and the Hendersons", "Bull Durham", "An Innocent Man". Но самой знаменитой стала, конечно, музыкальная тема для сцены стриптиза в фильме "9 1/2 недель" - "You Can Leave Your Hat On".
В 90-е годы Кокер занялся вложением капиталов - и не только в музыкальный бизнес. В городке Крауфорд, штат Колорадо, где он обосновался со своей семьей, артист владеет пекарней, кафе, конференц-залом, супермаркетом и рядом магазинов. Без комментариев.

Начало 21 века застало Джо Кокера, как всегда, за работой. За пять лет он выпустил три студийных альбома: "No Ordinary World" (2000), "Respect Yourself" (2002), "Heart & Soul" (2004) и сборник "Definitive Collection" (2002). В последние годы Джо много гастролирует. В его копилке - многочисленная коллекция премий и наград. Среди наиболее заметных концертов с участием артистом стоит упомянуть шоу Princes Trust Gala, проходившее под патронатом королевской семьи Великобритании, концерт в честь дня рождения Нельсона Манделы, грандиозное шоу в Берлине по случаю падения Берлинской стены. В Америке, ставшей для него второй родиной, он выступал на церемонии инаугурации президента Джорджа Буша.
35 лет плотного гастрольного графика нисколько не сказались на энтузиазме 60-летнего певца. Что в будущем? "Пока я буду получать удовольствие от живого общения со слушателями, - говорит Кокер, - пока на моих концертах будет царить возбуждение, до тех пор я буду выходить на сцену".

"Первая Леди Песен" - так звали Эллу Фитцджеральд (25 апреля, 1917 – 15 июня, 1996), . Ее вокал по праву считается самым изящным во всей истории джаза, хотя многие могут поставить на высшую ступень также Sarah Vaughan или Billie Holiday . Наделенная природой великолепным голосом с широким диапазоном, Элла могла перепеть кого угодно. Она была непревзойденной скат-певицей и обладала практически идеальной элоквенцией. Люди всегда понимали, что именно она поет, каждое ее слово. Единственным ее постоянным недостатком (к слову, немного курьезным), было то, что Элла была крайне жизнерадостной и не могла петь слишком лирически, как того требовал текст песни. Даже в композиции Love For Sale она звучала весело и счастливо. Как бы то ни было, если оценивать ее карьеру целиком, то певиц такого класа больше попросту не было, В начале своего творческого пути Элла Фитцджеральд никогда не отличалась жестким голосом, который был присущ Billie Holiday. Из-за сильной нищеты в определенный момент Элла осталась по-настоящему бездомной. В пении наступил большой перерыв. В 1934 году она выступает в Аполло театре, в Гарлеме, где побеждает в любительском конкурсе с песней Judy, которую она исполнила в стиле своего идола певицы Boswell. После непродолжительной работы с Tiny Bradshaw, Benny Carter (посетивший "Аполло") представил Эллу вниманию музыканта по имени Chick Webb. Его не очень впечатлила внешность девушки, и он с неохотой предложил 17-летней Элле попеть в клубе с его оркестром. Испытание было пройдено успешно, и известный барабанщик очень быстро понял, что она обладает серьезным коммерческим потенциалом. Начиная с 1935 записывалась с Webb's Orchestra. С 1937 года большая половина песен группы исполнялась с ее участием. В 1938 году они записали хит "A-Tisket, A-Tasket", а чуть позже популярнейшую песню "Undecided". В это время Элла представляла собой поп-свинговую певицу, сильную в балладах, с необыкновенно юным голосом. Ее голос уже набрал должную силу, но до импровизаций и ската она еще не дошла. Эти таланты проявились позднее.
16 июня 1939 года Chick Webb скончался. По всеобщему решению Элле пришлось возглавить оркестр, и это несмотря на то, что до этого она мало занималась репертуаром и наймом и увольнением музыкантов. Ей удалось удержать популярность, и когда в 1941 году она распустила группу, то не составило большого труда начать сольную карьеру. Она начала выступать и сотрудничать с Ink Spots, Louis Jordan и Delta Rhythm Boys, затем с 1946 году вместе с Norman Granz's Jazz at the Philharmonic. Granz стал ее менеджером, но для того, чтобы переманить певицу на собственный лейбл, ему понадобилось около 10 лет. За это время в пении Эллы случились большие изменения. Во время тура с биг-бзндом Dizzy Gillespie она освоила би-боп и в ее манере пения появились моменты нового стиля. В то же самое время она начала использовать скeт-пение в своих сетах. Записи 1945-1947 "Lady Be Good, How High the Moon" и "Flying Home" стали очень популярными и в результате быстро сделали Эллу одной из лучших джазовых певиц. В 1948-1952, после свадьбы с басистом Ray Brown, Элла начинает выступать вместе с трио своего мужа. Кроме того, в 1950 и 1954 годах она записала несколько пластинок в дуэте с Ellis Larkins, где спела в своей манере песни Джорджа Гершвина.
После участия в фильме "Pete Kelly's Blues" в 1955 году Элла подписала контракт с лейблом Verve и последующие несколько лет издала серию альбомов под общим названием "Songbooks", где исполняла песни того же Гершвина, а также Cole Porter, Rodgers and Hart, Duke Ellington, Harold Arlen, Jerome Kern и Johnny Mercer. Тем не менее, за исключением перепевок Эллингтона, этот проект нельзя назвать главным джазовым проектом Эллы Фитцджеральд. Зато этот престижный проект сделал певицу очень популярной. В пик своей карьеры, в 60-х, Элла записала в Берлине живую пластинку "Mack the Knife", очень веселый альбом, во время записи которого она полностью забыла слова и придумывала на ходу собственные. Этот альбом впоследствии стал классикой.
Записи Эллы для лейблов Capitol и Reprise, выпущенные в 1967-1970 года, были более низкого уровня. В этот период она пыталась привнести в свой репертуар популярные песни (вроде "Sunny и I Heard It Through the Grapevine"), но звучала откровенно незамысловато. Далее спада карьеры не последовало, потому как Norman Granz решил создать новый лейбл и подписать на нем Эллу. Фирма назвалась Pablo. Начиная с концерта в Санта-Монике в 1972 году(с невероятной версией С Jam Blues) Элла Фитцджеральд стала считаться достоянием джаза и выступала, к примеру, с Count Basie, Oscar Peterson и Joe Pass. По прошествии 70-х годов голос Эллы стал заметно увядать, и в 80-х годах карьера певицы подошла к закату, да и возраст, естественно, давал о себе знать. Проблемы со зрением и сердцем временами заставляли надолго забывать Эллу о музыке, но ее редкие выступления всегда отличались великолепным чувством свинга и неизменной радостью в голосе.
В1994 году Элла Фитцджеральд окончательно ушла на пенсию, а через два года скончалась, но по сей день ее имя остается слишком хорошо известным. Большое количество сделанных ею записей было переиздано на компакт-дисках.

Армстронг родился в беднейшем негритянском районе Нового Орлеана, отец рано бросил семью и ребенка отдали на воспитание бабушке. Спустя несколько пет мать Луи, Мэйэнн, забрала сына и дальше воспитывала его сама. Они жили в Сторивилле, черном районе, известном своими свободными нравами, а также барами, клубами, танцзалами и публичными домами.
Луи начал петь совсем рано, в небольшом ансамбле и за несколько лет натренировал свой слух. Когда в последствии он за не такой уж и значительный проступок попал в лагерь-интернат для малолетних правонарушителей, там он сразу присоединился к лагерному оркестру и научился играть на корнете. Оркестр исполнял традиционный репертуар того времени — марши, рэги и популярные песенки. К тому времени, как закончился его срок, Луи уже решил стать музыкантом. Одалживая инструменты, он начал ходить по клубам и играть в местных оркестрах. Его взял под свое покровительство Кинг Оливер, считавшийся тогда лучшим корнетистом города. После отъезда Оливера в Чикаго в 1918 году Армстронг приходит в оркестр тромбониста Кида Ори, а также много играет в бэнде Фэтса Мэрейбла, который выступал в дансингах на теплоходах, плавающий в летний сезон по Миссисипи. Мэрейбл преподал юноше первые основы нотной грамоты.
В 1922 г. Оливер пригласил Армстронга в Чикаго и взял в свой оркестр "Creole Jazz Band" вторым корнетистом. Этот бэнд был в то время самым ярким музыкальным явлением в Чикаго и работа в нем много дала Луи для его будущей карьеры. В1924 г. он женится на пианистке группы, Лил Хардин, которая уговаривает его покинуть Оливера. Они уезжают в Нью-Йорк, где Армстронг поступает на работу в оркестр Флетчера Хендерсона. Там он становится известным, посетители приходят слушать бэнд зачастую ради его "горячих" соло, и начиная с того времени мы можем говорить уже собственно о стиле Армстронга — ярком, импровизационном и изобретательном.
Однако в 1925 г. он возвращается в Чикаго и там много работает и записывается со своими лучшими составами "Hot Five" и "Hot Seven". Во время этого периода Армстронг отказывается от корнета в пользу более звучной и полюбившейся ему трубы. Также он пробует свои силы в скэте — это произошло впервые при записи "Heebie Jeebies" — и огромный успех подталкивает его к тому, что он становится еще и вокалистом.
В 1929 г. Армстронг окончательно перебирается в Нью-Йорк. Начинается эра биг-бэндов и он под влиянием своих менеджеров все больше концентрируется на популярной музыке sweet. Однако он вносит в нее свою яркую индивидуальную манеру, взятую из джазового hot стиля и благодаря этому быстро становится звездой национального масштаба. Армстронг работает с биг-бэндами до 1947 года, а затем Джо Глейзер, его менеджер, организует для него небольшую группу "All-Stars", более джазово ориентированную. Первоначально это действительно был оркестр всех звезд — в него входили кроме Армстронга Эрл Хайнс, Джек Тигарден, Сид Кэтлетт и Барни Бигард. Впоследствии сайд-мены часто менялись и благодаря своему участию в группе многие малоизвестные до тех пор джазмены обретали большую популярность.
"All-Stars" играли разный джаз — и достаточно серьезный, и просто обработки популярных песен, причем последние все же превалировали в репертуаре. К середине 50-х Луи Армстронг был одним из самых известных в мире музыкантов, к тому же он снялся более, чем в 50 фильмах. Госдепартамент США присвоил ему неофициальное звание "Посол джаза" и неоднократно спонсировал его мировые турне.
В 1959 году Армстронг пережил инфаркт и с этого момента здоровье уже не позволяло ему выступать в полной мере, однако он никогда полностью не прекращал играть. Его смерть в 1971 году была в новостях на первых страницах газет всего мира.

В плеяде трубачей, выдвинувшихся в начальный период развития модерн-джаза, Чет Бейкер занимает одно из ведущих мест. Является первым белым трубачом современного кул-стиля в сфере комбо-джаза. Ему принадлежит важная роль в экспериментах Джерри Маллиген с «бесклавирными» составами комбо, в которых отсутствие гармонической поддержки мелодических голосов партией фортепиано должно было восполняться за счет полифонизации фактуры и требовало развитого гармонического мышления от участников ансамбля. Данные опыты основывались на синтезе различных стилевых элементов модерн-джаза, свинга и современной академической камерной музыки, создали предпосылки для последующего расцвета кул-стиля и «третьего течения». В вокале Бэйкер отличался мягкой лирической манерой исполнения, обладал необычно высоким, почти юношеским голосом.
Трубач и вокалист. Впервые познакомился с джазом, играя в военных оркестрах, и к концу срока службы в армии его характерный сдержанный стиль исполнения был полностью сформирован. В 1952 году он некоторое время играл с Charlie Parker , вслед за чем последовало столь важное объединение с Gerry Mulligan в знаменитый квартет ("бесклавишный"). Его выступления в составе этого ансамбля, особенно исполнение баллады "My Funny Valentine" принесли Бейкеру настоящую славу. Чистый звук и мягкая лиричная манера — он редко играл громче, чем mezzo-forte и порой ограничивался рамками одной октавы — вскоре стали "знаковыми" для кул-джаза Западного побережья и были подхвачены повсеместно. ПокинувGerry Mulligan в 1953 году, В. вновь на короткое время примкнул к Charlie Parker, после чего работал в собственных группах. Он продолжал господствовать как в американских, так и в европейских опросах еще несколько лет. Однако вследствие серьезной наркотической зависимости В. его карьера потеряла устойчивость, а вскоре и вовсе прервалась. В 1960-1961 годах в Италии он был приговорен к тюремному заключению за правонарушения, связанные с употреблением наркотиков. В 1970-х годах Бейкер возобновил регулярные выступления, преимущественно в ансамблях без фортепиано и ударных, и к середине 1980-х годов он вновь был широко востребован как для выступлений, так и для сессий студийной записи. В 1998 году мне удалось побывать на месте гибели Чета, когда он в наркоманическом угаре шагнул из окна гостинницы в Амстердаме на мостовую из булыжника.

Мэк Ребеннэк начинал в конце 1950-х в Новом Орлеане в качестве сессионного музыканта (клавишника и гитариста) под псевдонимом Night Tripper. Из-за неосторожного обращения с огнестрельным оружием он получил повреждение руки и был вынужден отказаться от выступлений с гитарой.

В середине 1960-х музыкант увлёкся культурой вуду, наркотиками и психоделией, сменил сценическое имя на Dr. John, переехал в Лос-Анджелес, где во время выступлений продолжал носить карнавальные костюмы Марди-Гра. Он стал одной из самых ярких фигур психоделической музыки тех лет. Записывался с Вэном Моррисоном, Эриком Клэптоном, Миком Джаггером и Шер. В 1973 г. выпустил свой самый успешный сингл — «Right Place Wrong Time».

В последующем Доктор Джон продолжал придерживаться эклектического подхода к исполняемой музыке. Даже самые преданные поклонники находили его альбомы 1970-х и 1980-х весьма неровными. Хотя его ранние композиции перепевали и перерабатывали The Allman Brothers Band, Ноэль Галлахер и Бек (на треке «Loser»), сам Доктор Джон в 1990-е годы в основном исполнял песни из традиционного репертуара американской поп-музыки.

---

Когда тебя зовут Малколм Ребеннак, ты родился в Новом Орлеане и любишь играть на пианино, тебя нипочем не удержать дома. Собственно, Мака никто и не удерживал - его отец был хозяином магазина грампластинок, а мать танцовщицей и фотомоделью, так что по части богемного времяпрепровождения препятствий не было. Да и география располагала: Новый Орлеан - плавильный котел почище нашей Одессы (не случайно переводчик культового нью-орлеанского романа Д.К.Тула "Сговор Остолопов", чтобы передать тамошнюю манеру общения, выбрал именно одесский говор!), феноменальное смешение культур, рас и характеров. С одной стороны, это - дельта Миссисиппи, то бишь - родина блюза. С другой, всем известно: Новый Орлеан - родина джаза, и все эти похоронные процесси с радостной и бравурной духовой музыкой проходили, проходят и будут проходить именно по этим улицам. Но Новый Орлеан - это еще и штат Луизиана, это креолы, разговаривающие на своем, особом языке, в котором сильно французское влияние, это ритуалы вуду, привезенные с Гаити - кровь зарезанного петуха, экстатические танцы, все, что вы видели в "Сердце ангела" - все это здесь. Здесь проходит самый красочный карнавал Америки, Марди Гра, сюда, к дому Уильяма Берроуза стремились персонажи Керуака, плюс к тому именно здесь происходит действие песенки про дом восходящего солнца - так что понятно: Мак Ребеннак не мог выбрать места лучше, чтобы родиться.

Он играл в барах с четырнадцати; потом стал подрабатывать в местной студии грамзаписи, познакомился со всей музыкальной элитой города, включая легендарного Профессора Лонгхэйра и Алена Тюссо, начал сочинять песни. В 60-е одна из них вошла в американскую двадцатку, после чего Мак стал задумываться о сольной карьере.

Поработав в студии Фила Спектора и поучаствовав в создании знаменитой спекторовской "стены звука", Ребеннак выпустил в 1968-м свой первый альбом Gris-Gris. Именно на этой пластинке он представился как Доктор Джон, Ночной путник (Dr. John The Night Tripper). Доктор Джон Монтень - так звали одного из жителей Нового Орлеана, который прославился во второй половине XIX века как народный целитель и оккультист (помимо того, что был наследным принцем африканского племени бамбарра), и Ребеннак, увлекавшийся вудуизмом, присвоил себе его имя. Этот псевдоним приклеился к нему навсегда.

Музыка Доктора Джона представляла собой смесь креольского фольклора, традиционного блюза и набиравшей силы психоделии - в его трактовке куда более убедительной, поскольку Доктор знал, о чем петь. Он одевался в причудливые костюмы и головные уборы, крашенные разноцаетными перьями, он пел про тех же магов вуду - но врожденное чувство юмора не позволячло ему относится кк оккультизму чересчур уж всерьезно, и потому в песнях Ребеннака вуду кажется не более чем страшной сказкой.

Первые три альбома Доктора стали известны среди музыкантов; в число его поклонников попали Эрик Клэптон и Мик Джаггер, что и привело к их участию в альбоме-1971 The Sun, The Moon & The Herbs. На следующий год Доктор Джон записывает Gumbo, один из лучших своих альбомов, недостающее звено между эсид-роком, блюзом и ранним рок-н-роллом, щедро приправленное нью-орлеанскими специями. В 1973-м он принимает участие в записи совместного альбома с Майклом Блумфилдом и Джоном Хэммондом-младшим; диск, названный Triumvirate, произвел на свет один хит, но более ничем интересен не был - по отдельности все трое участников оказались куда интереснее.

В семидесятые популярность Доктора Джона была стабильной, но за рамки ритм-н-блюзового круга не выходила. Он много сотрудничал с другими музыкантами, как сайдмен, играл нью-орлеанские стандарты, но ничем не выделялся. Прорывом стали 80-е, и начались они с фортепианного альбома Dr. John Plays Mac Rebennack - а завершились альбомом популярных джазовых стандартов In A Sentimental Mood. За дуэт с этого альбома Makin' Whoopee, записанный с певицей Рикки Ли Джонс, Доктор получил свой первый "Грэмми".

В 90-х Доктор проявлял все больше интереса к двум вещам - джазу и собственным корням. Он записал небесспорный, хотя и любопытный альбом Bluesiana Triangle вместе с гениальным барабанщиком Артом Блэйки и саксофонистом Дэвидом Ньюменом, а к записи альбома Anutha Zone привлек музыкантов, казалось бы, совсем других поколений и ориентации - Пола Уэллера, участников Supergrass, Spiritualized, Primal Scream и даже Portishead! И доказал этим альбомом, что новоролеанские штучки (на обложке он, уже постаревший, но не утративший своей фантастической грузной элегантности, снова восседает в том же невероятном головном уборе, что носил двадцать пять лет назад) и британская молодежь отнюдь не противоречат друг другу:

Новый век начался для Доктора великолепным альбомом Duke Elegant - посвящением памяти Дюка Эллингтона. Не впервые обратившись к наследию одной из икон классического джаза, Доктор здесь словно заново открыл мелодии Эллингтона, ставшие, на невзыскательный вкус, классически-банальными. И подзаголовок альбома - The Doc Meets The Duke - абсолютно правомерен: если это и соавторство, то по крайней мере рукопожатие двух Музыкантов.

Доктор Джон - живое доказательство тезису: ремесло и искусство отделяет тонкая грань, но без ремесла искусства нет. Его ремеслу отдавали должное Джек Брюс, Марианна Фэйтфулл, Эрита Фрэнклин, Йен Гиллан и Роджер Гловер, Питер Грин, Вэн Моррисон, Би Би Кинг и Леон Редбоун, Ринго Старр и Карли Саймон: Кому-то он записывал партии клавишных, кому-то делал аранжировки, с Ринго и его All Starr Band даже ездил в турне - и все это он делал с удовольствием. Именно поэтому его ремесло становится искусством даже на чужих альбомах.

А еще Доктор Джон - человек-музей, хранитель традиций родного города. И ему есть что хранить - своим новым альбомом с непроизносимым даже для носителей английского языка названием он открывает для нас еще одну грань Нового Орлеана - города-легенды, города, неподалеку от которого находится тот самый Дом Восходящего Солнца.
[r]© 2004, Артем Липатов

Пианизм Питерсона отличала "красочность", соединенная с феноменальной техникой исполнения, что подчеркивает его сходство с Артом Тейтумом (Art Tatum). В его игре слышалось влияние Эрролла Гарнера, Нэт Кинг Коула, Тедди Уилсона и Джорджа Ширинга (George Shearing). Игру Питерсона отличал мощный драйв и гибкость, позволявщая ему сочетать яркие сольные пассажи с тонкой аккомпанирующей игрой. Полнота звучания рояля, сочность туше, легкость и естественность бега, разнообразие звуков от блюзовых всплесков до оркестрового рокота сделало многие пьесы, исполненные Оскаром Питерсоном, образцами фортепианной джазовой классики.

В основе его творчества — элементы свинга и бибопа, а репертуар составляли, как правило, известные мелодии (записал альбомы с песнями популярных американских композиторов, — Гершвина, Портера, Керна, Арлена, Уоррена и других). По мнению критика Джеймса Коллиера, творчество Оскара Питерсона помогло “сделать джаз более доступным”.

Родился в семье вокзального носильщика. Рано обнаружил интерес к музыке. Первые уроки Оскару давала старшая сестра. Отец обучил его игре на тромбоне и пианино, когда ему было около 6 лет. Однако, перенеся туберкулёз в раннем возрасте, Питерсон вынужден был продолжить игру только на фортепиано (врачи запретили играть на духовых инструментах).

В 14 лет стал призером конкурса (устроенного местной радиостанцией) молодых талантов и получил право регулярно выступать в радиошоу.

Дебютировал Оскар Питерсон в 1944 году в канадском джаз-оркестре Джонни Холмса (Johnny Holmes).

Первые записи музыканта вышли в Канаде в середине 40-х годов. И хотя они свидетельствовали о появлении технически безупречного пианиста, канадские любители джаза не отдали в то время должное своему соотечественнику. Однако молодой бизнесмен Норман Гранц, почуяв коммерческие возможности джаза, собирает «сборную команду» джазовых светил, куда в качестве молодого дарования приглашает и Оскара Питерсона.

С 1949 года участвовал в концертах-турне "Джаз в филармонии" по Соединенным Штатам Америки. Вот как описывал в 1949 году дебют Оскара Питерсона в Нью-Йорке журнал «Даун Бит»:

«Его богатырское тело становилось удивительно легким за фортепиано, а техника ошеломила всех. Его молниеносная правая рука рассыпала горсти «боповых пассажей» и демонстрировала отличное чувство гармонического развития. Нечто подобное нам уже показывал другой иностранец-англичанин Джордж Ширинг. Но когда Оскар Питерсон стал легко выписывать «боповые фигуры» одним пальцем левой руки, что до него никто не делал, то даже самые придирчивые критики зааплодировали».
В 1953 году гастролировал по Европе со своим трио в состав которого с 1951 года входили контрабасист Рэй Браун (Ray Brown) и гитарист Ирвинг Ашби (Ashby Irving). Позднее Ашби сменяет Барни Кессел (Barney Kessel), а его в свою очередь меняет Херб Эллис (Herb Ellis). В 1955 году аккомпанировал Элле Фитцджеральд во время ее гастролей по Англии и Шотландии.

Трио с гитарой и контрабасом просуществовало пять лет, до 1958 года. После ухода Херба Эллиса Питерсон делает смелый поворот: меняет гитариста на барабанщика Джина Гамаза (Gene Gamage), лишая себя преимуществ оригинального ансамбля. В 1959 году Гамаза сменяет Эд Тигпен (Ed Thigpen). В этом же году снялся в французском музыкальном фильме "Les Tricheurs". После этого преподает в джазовой школе Нью-Йорка, участвует в 1-м канадском джаз-фестивале в городе Торонто, выступает на джаз-фестивале в Чикаго. Все 50-е годы по опросам читателей и критиков ведущих джазовых изданий входит в число ведущих джазовых пианистов. Трио Питерсона с Рэем Брауном и Эдом Тигпеном стало самым популярным ансамблем в карьере пианиста.

В начале 60-х годов открыл в Торонто (Канада) Продвинутую школу современной музыки, представил в 1964 году свою композицию Canadian Suite. Ежегодно продолжал гастролировать с концертами в США и Европе. Наиболее яркими из выступлений Питерсона в 60-е годы были его новые совместные выступления с Эллой Фитцджеральд.

В 1965 году Эда Тигпена заменяет барабанщик Луис Хэйз (Louis Hayes), а контробасист Сэм Джонс (Sam Jones) в 1966 году приходит в трио на смену Рэю Брауну. После ухода Луиса Хэйза в 1967 году в трио приходит Бобби Дахэм (Bobby Durham).

Сотрудничал со многими выдающимися джазменами, в числе которых — Дэйв Брубек, Диззи Гиллеспи, Бен Уэбстер, Луи Армстронг, Стэн Гетц и другие. Записывал дуэты с Каунтом Бэйси.

В последующие годы участниками трио Оскара Питерсона были такие музыканты, как чешский басист Джордж Мраз, шведский гитарист Ульф Вакениус, гитарист Джо Пасс и другие.

Трио Оскара Питерсона объездило весь мир, записало более 150 альбомов. В 1974 трио выступало в СССР (Таллин) с контрабасистом Нильсом-Хеннингом Эрстед Педерсеном и барабанщиком Джейком Ханной.

В 1993 году перенес инсульт, после которого стал выступать редко и играл только правой рукой.

Его многочисленная дискография включает записи с его трио, с Билли Холидей , Бенни Картером, Луи Армстронгом, Эллой Фитцджеральд, Роем Элдриджем (Roy Eldridg), Лестером Янгом, Стэном Гетцем, Баддом Де Франко, Коулменом Хокинсом, Modern Jazz Quartet, Милтом Джексоном, Кларком Терри, Сонни Ститом (Sonny Stitt) и т.д.

В 2004 году одна из центральных площадей в Торонто была названа его именем.

Скончался от почечной недостаточности 23 декабря 2007 года в городке Миссиссауга близ Торонто. Ему было 82 года.