Ты играешь на саксофоне?! Просто это единстенный инструмент любимой марки yamaha с номером 23, который я вспомнила...Это потрясающе! Саксофон меня с ума сводит...после пианино и гитары и...остановиться сложно, всю музыку люблю

Ранние годы

Дженис Лин Джоплин родилась 19 января 1943 года в Порт-Артуре, Техас, в семье Сета Джоплина, служащего компании Texaco. Как рассказывали позже её брат Майкл и сестра Лора, Джоплин-старший был «тайным интеллектуалом»: читал Данте, слушал не country & western, как было принято в Южном Техасе, а классическую музыку (чаще — оперу). Сам он даже не имел слуха, но мать Дороти (работавшая администратором в бизнес-колледже) в юности пела на сцене; она нередко предлагала детям подпевать ей, каждое домашнее дело превращая в импровизированный концерт.

В школе (Thomas Jefferson High School, Порт-Артур) Дженис была примерной ученицей, выставляла собственные рисунки в местной библиотеке и поначалу соответствовала нормам общественных ожиданий. Однако подруг у нее не было: она общалась исключительно с парнями. По словам сестры Лоры, вскоре стало ясно, что Дженис в интеллектуальном отношении намного превосходит сверстников. Кроме того, она всегда откровенно высказывала всё, что думает, а поскольку (по собственному выражению) «не ненавидела ниггеров», тут же стала изгоем в школе, где расистские взгляды считались нормой. То было время, когда Мартин Лютер Кинг только начал свою кампанию за расовую интеграцию, и чтобы белая техасская девочка решилась открыто поддерживать его взгляды, было немыслимо.

Постепенно у Дженис стали появляться друзья вне школьной среды: это был полуподпольный кружок молодых людей, увлекавшихся новой литературой, поэзией бит-поколения, блюз- и фолк-музыкой, радикальными видами современного искусства. Один из них, футболист по имени Грант Лайонс, познакомил Дженис с творчеством Лидбелли, сделав на всю жизнь страстной поклонницей блюза. Вскоре она начала и сама втайне от всех петь блюз.

Принято считать, что психологические проблемы (связанные, основном, с лишним весом) начались для Дженис в подростковом возрасте: она тяжело переживала издевательства одноклассников и страдала от ненависти к себе и окружающему миру. В эти годы сформировался взрывной характер Дженис Джоплин, которая «стилизовала» себя под своих блюзовых героинь (Бесси Смит, Биг Мама Торнтон, Одетта). Но в те же годы она стала и освобождаться от комплексов — в кругу друзей, и посредством музыки. По воспоминаниям Джона Лэнгдона, одного из друзей ее юности, влияние на Дженис и компанию битники оказали не столько своей поэзией, сколько стилем жизни. Группа единомышленников стала регулярно отправляться в Луизиану, где (в отличие от Техаса) алкоголь отпускали и несовершеннолетним, а в клубах уже бушевал рок-н-ролл. В Луизиане, в кругу друзей Дженис впервые спела блюз и — поразила слушателей, идеально скопировав вокальный стиль Одетты. Выходя время от времени на сцену в том или ином придорожном клубе, она очень быстро стала приобретать навыки профессиональной блюзовой исполнительницы. Дженис не знала нотной грамоты, но обладала уникальной восприимчивостью: это позволило ей в буквальном смысле впитать в себя блюз — фразеологию, ритмичность, эмоциональный спектр — всё до мельчайших нюансов.

В 1960 году, закончив школу, Дженис поступила в колледж Ламар (Бомон, Техас). «Поначалу она произвела на меня отталкивающее впечатление своей резкостью, — вспоминала однокурсница Франсис Винсент. — Позже, узнав Дженис поближе, я поняла что за агрессинвостью кроется чувствительная и ранимая натура. Я слышала все эти истории о том, как её притесняли в школе. Могу сказать одно: Дженис не оставалась в долгу: обидчикам она платила той же монетой».Лето 1961 года Дженис провела в Венеции (районе Лос-Анджелеса) среди битников. Осенью, вернувшись в Техас, она начала регулярно выступать на университетской сцене, демонстрируя выразительный вокал с трехоктавным рабочим диапазоном. Её первой собственной песней, записанной на плёнку, был блюз «What Good Can Drinking Do», оформленный в манере Бесси Смит. «Дженис находилась под впечатлением „водевильного блюза“ 20-х годов и отождествляла себя с его звездами, — утверждает рок-критик Люси О’Брайен. — Именно этот вид сверхвыразительного соул-блюза позволил ей услышать свой собственный внутренний голос, понять глубины своей души».

1963—1967

Первой группой Дженис Джоплин стала Waller Creek Boys, где играл Р. Пауэлл Сент-Джон, позже писавший песни для 13th Floor Elevators и основавший Mother Earth. Принято считать, что именно здесь, под воздействием алкоголя, в голосе Джоплин появилась хрипотца, которая затем разрослась и сделала её знаменитой. Однако, по слова Люси О’Брайан, «…Дженис обладала одновременно двумя совершенно разными голосами: чистым ярким сопрано и мощным блюзовым хрипом. Некоторое время она колебалась, не зная, какому отдать предпочтение, а потом сделала выбор в пользу второго из них».

Разрыв со студенческой средой произошёл для Дженис в январе 63-го. После того, как одна из университетских газет присвоила ей титул «самого страшного из ребят», она собрала вещи и с приятелем по имени Чет Хелмс на попутках отправилась в Сан-Франциско, где очень скоро стала популярной фигурой на «кофейной» сцене выступая с Йормой Кауконеном (позже — гитаристом Jefferson Airplane). 25 июня 1964 года Джоплин и Кауконен записали семь блюзовых стандартов («Typewriter Talk», «Trouble In Mind», «Kansas City Blues», «Hesitation Blues», «Nobody Knows You When You’re Down And Out», «Daddy, Daddy, Daddy» и «Long Black Train Blues»), которые позже были выпущены бутлегом («The Typewriter Tape»). В качестве перкуссии здесь была использована пишущая машинка, на которой стучала Маргарита Кауконен.

В это же время Дженис начала принимать наркотики (регулярно — кристаллический метедрин; но временами и героин): они поначалу помогали ей избавляться от депрессии и от лишнего веса. Весной 1965 года друзья, обеспокоенные её истощенным видом, уговорили Дженис вернуться к родителям в Порт-Артур. Она приехала напуганной и подавленной; стыдилась себя и никогда не показывалась перед мамой с короткими рукавами, чтобы так не увидела следов от шприцев. Здесь она продолжила учебу и год провела на факультете социологии в Ламарском университете (Бомонт, Техас), время от времени выезжая в Остин, где продолжала давать концерты. При этом Джоплин вела очень сдержанный и консервативный образ жизни. Как вспоминал давний друг, фолк-сингер Боб Ньюмарк, Дженис вернулась в Сан-Франциско изменившейся: «Она производила впечатление молодой женщины, которая твердо решила начать новую жизнь».

Весной 1966 года старый знакомый по техасской сцене Чет Хелмс (к этому времени перебравшшийся в Калифорнию) пригласил Джоплин в Big Brother & the Holding Company — группу, делами которой управлял он сам. [2] Хелмс, один из лидеров хиппи-коммуны Family Dog, владел концертным залом Avalon Ballroom: здесь и обосновался в качестве резидентов ансамбль в составе: Сэм Эндрю (вокал, гитара), Джеймс Герли (гитара), Питер Албин (бас), Дэвид Гетц (ударные) и Дженис Джоплин (вокал).

10 июня 1966 года состоялось первое выступление нового состава группы в «Авалоне».Певица мгновенно установила контакт с аудиторией и тут же сделалась местной звездой. В эти дни Джоплин почти не принимала наркотиков: по настоянию клавишника (и близкого друга в то время) Стивена Райдера она заключила с коллегой по группе Дэвидом Гетцем договор о том, чтобы в квартире, которую они снимали, шприцы объявить вне закона. По словам Сэма Эндрю, Дженис «была умна, решительная и обладала удивительным для провинциалки чувством собственного достоинства». Летний сан-францисский концерт группы был записан и позже включен в альбом «Cheaper Thrills» (1984).

Спустя два месяца Big Brother подписали контракт с независимым лэйблом Mainstream Records и отправилась в студию записывать дебют, который выпущен был лишь год спустя, после того, как Дженис Джоплин произвела фурор на фестивале в Монтерее (июнь 1967 года), где она «привлекла внимание своим необычно сильным и богатым хрипловатым голосом, нервно-энергичной манерой пения». По словам рок-критика Лиси О’Брайен, выступление Джоплин отличалось захватывающей спонтанностью и сырой энергетикой: аудитория была поражена, потому что «…никогда прежде белая певица не вела себя таки образом на сцене и не использовала так возможности своего голоса». Её выступление с «Ball and Chain» стало центральным эпизодом фильма «Monterey Pop», который по сей день считается образцом качественной рок-документалистики.

После фестиваля новый менеджер Алберт Гроссман (который вел также дела Боба Дилана) обеспечил группе котракт с Columbia Records. Mainstream Records все-таки выпустили залежалый (но при этом не вполне доработанный) дебют Big Brother & the Holding Company, который в августе 67-го появился на 60-м месте в списках Биллборда (позже Columbia выкупила права на пластинку и сделала её хитом).

1968—1970

16 февраля 1968 года группа начала свое первое турне по Восточному побережью, которое завершилось 7 апреля большим концертом в Нью-Йорке памяти Мартина Лютера Кинга, где также выступили Джими Хендрикс, Бадди Гай, Ричи Хэвенс, Пол Баттерфилд и Алвин Бишоп.

Дженис не назовешь красавицей в привычном смысле слова, но она, несомненно, — секс-символ, пусть и в несколько неожиданной «упаковке». В её голосе соединились душа Бесси Смит, блеск Ареты Фрэнклин, драйв Джеймса Брауна… Взмывая к небесам, этот голос не знает границ и словно бы порождает в себе божественную многоголосицу. — Village Voice, 22 февраля 1968 года о концерте группы в нью-йоркском Anderson Theatre.

В марте 68-го группа приступила к работе над вторым альбомом, Cheap Thrills (первоначальный вариант заголовка: «Dope, Sex and Cheap Thrills» по понятным причинам пришлось сократить). 12 октября того же года пластинка, обложку которой оформил знаменитый в андерграунде карикатурист Роберт Крамб, возглавил списки «Биллборда» и продержался на вершине 8 недель. Способствовал успеху группы в чартах и хит Piece Of My Heart. Live at Winterland '68, записанный в зале Winterland Ballroom 12-13 апреля 1968 года также собрал восторженные отзывы прессы.

Едва только альбом уступил место на вершине Джими Хендриксу («Electric Ladyland»), как Джоплин с гитаристом Сэмом Эндрю покинула Big Brother и собрала собственный ансамбль Janis & the Joplinaires, вскоре переименованный в Janis Joplin & Her Kozmic Blues Band. Этот постоянно менявшийся состав просуществовал год, но успел провести европейское турне, завершившееся триумфальным концертом в лондонском Альберт-Холле 21 апреля 1969 года. Летом группа выступила в серии фестивалей (Ньюпорт, Атланта, Новый Орлеан, Вудсток), и её увидели более миллиона зрителей.

В октябре 1969 года I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama! вошёл в первую пятерку «Billboard 200» и вскоре стал золотым. В целом, однако, группа была принята хуже, чем Big Brother. Свой последний концерт она дала 21 декабря 1969 года в нью-йоркском Мэдисон Сквер Гарден.

Распустив коллектив, Джоплин собрала The Full Tilt Boogie Band — в основом, из канадских музыкантов (бас-гигитарист Джон Кемпбелл, экс-Pauper, гитарист Джон Тилл, пианист Ричард Белл, органист Кен Пирсон, ударник Кларк Пирсон). В апреле группа собралась на первую репетицию, а в мае дала свои первые выступления (в Сан-Рафаэле, Калифорния). Прежде чем начать летнее турне с The Full Tilt Boogie Band, Дженис 4 апреля 1970 года выступила в концерте-реюнионе с Big Brother & The Holding Company в зале Fillmore West в Сан-Франциско.

Летом 1970 года Джоплин и The Full Tilt Boogie Band приняли участие в суперзвездном канадском турне вместе с The Band и The Grateful Dead. Из-за финансовых неурядиц гастроли пришлось приостановить. Документальные кинокадры выступлений Джоплин были обнародованы лишь спустя тридцать лет после её смерти.

В сентябре Дженис Джоплин с группой приступила к работе над альбомом Pearl, пригласив в студию продюсера Пола А. Ротшильда, прославившегося работой с The Doors. К этому времени она уже катилась вниз по наклонной плоскости, подгоняемая героином и алкоголем, которые лишь усугубляли нараставшую депрессию. 4 октября 1970 года после возлияния в «Барниз Бинери» на Бульваре Санта-Моники, Дженис Джоплин была найдена мертвой в номере отеля «Лэндмарк» — в тот самый день, когда должна была записать вокал к последнему треку альбома, «Buried Alive in the Blues» (буквально: «заживо похороненная в блюзе»). Ей было всего 27 лет. На причину смерти недвусмысленно указывали следы от свежих инъекций. Её последними записями стали «Mercedes Benz» и аудиопоздравление Джону Леннону с днем рождения от 1 октября, которое прибыло к нему в день смерти певицы. Останки Дженис были кремированы и пепел рассеян по калифорнийскому побережью.

1971 —

Вскоре после смерти Дженис Джоплин вышел альбом Pearl. 27 февраля 1971 года пластинка возглавила Billboard 200 и продержалась на вершине 9 недель. Отсюда же вышел и единственный чарт-топпер Дженис Джоплин в Billboard Hot 100 — композиция Криса Кристоферсона «Me and Bobby McGee» (20 марта 1971 года), финальный аккорд стремительной и яркой творческой жизни, оставившей неизгладимый след в истории рок-музыки.

В 1979 г. любимая актриса Джоплин, Бетт Мидлер, сыграла певицу в фильме «Роза» и была представлена за эту роль к премии «Оскар» за лучшую женскую роль. В 1990-х одним из самых популярных бродвейских мюзиклов был «Love, Janis», основанный на биографической книге сестры Дженис. На 2008 год был запланирован выход нового байопика о её судьбе — «Евангелие от Дженис».

Имя Джейкобса традиционно упоминают среди других корифеев блюза — его поистине революционная техника игры на губной гармонике ставит его в один ряд с такими мастерами как Чарли Паркер и Джими Хендрикс. Существовало много великих музыкантов и до Джейкобса, и после него, но именно его виртуозная игра и новаторство достигли высочайшего уровня выразительности и изменили представления многих слушателей о возможностях такого музыкального инструмента как губная гармоника. Вклад Литтл Уолтера в развитие блюза обеспечил ему место в Зале славы рок-н-ролла в категории "аккомпанирующий музыкант", он является единственным музыкантом, чья игра на гармонике заслужила такой высокой оценки.
Остальное на wikipedia.

Интересно, что вместе с Мадди и Джимми Роджерсом он был основоположником нового чикагского блюза!
Джимми Роджерс сообщил Мадди, что нашел подходящего гармошечника. "Когда я с ним познакомился, он был совсем еще ребенком и не пил ничего, кроме пепси-колы," - вспоминает Мадди. Встреча происходила на квартире Уолтера; начался джем, и Мадди с Джимми были просто ошеломлены: этот семнадцатилетний мальчишка далеко превосходил всех известных им гармошечников, кроме, пожалуй, Райса Миллера. "Нам нужен был именно такой звук, - позже говорил Мадди, объясняя, какой он хотел видеть свою группу. - Я очень люблю гармошку - наверное, потому, что мучил ее еще в детстве".
Несмотря на то, что Уолтер был потрясающе талантлив и обладал своей собственной, неповторимой манерой, Мадди и Джимми видели, что ему еще многого не хватает - прежде всего, чувства ритма. Мадди хотел, чтобы его музыканты всегда играли немного вперед, а сам, когда пел, оттягивал мелодию назад, поэтому аккомпанировать ему было не так-то просто, однако Уолтер горел желанием учиться и был благодарен Мадди и Джимми за то, что они взяли его в оборот: все, с кем он занимался до этого, не выдерживали его плохого чувства ритма и вздорного характера. "Уолтеру очень нравилось играть с нами, потому что мы принимали его таким, какой он есть, и он любил нас за это, - вспоминает Джимми Роджерс. - Он, наверное, в жизни никого так не слушался, как нас с Мадди."
Мадди и Джимми, оба неплохо игравшие на гармошке, занимались с Уолтером целых полгода. Дальше читать тут.

Чик Уэбб родился и вырос в Балтиморе, штат Мэриленд. В раннем детстве в результате падения он повредил несколько позвонков, оставшись из-за этого карликом-горбуном. Врач посоветовал родителям трёхлетнего Уилли позволить мальчику игру на барабанах в качестве лекарства для одеревеневших суставов. Уильям с готовностью исполнил предписание, яростно колотя по всем горшкам, банкам и сковородкам в доме. Несколько лет спустя, начав продавать газеты на улице (весьма традиционное занятие для мальчишек в то время), он заработал достаточно, чтобы купить свою первую барабанную установку. Нельзя сказать, чтобы его родители очень обрадовались подобному приобретению, но отказать несчастному ребёнку они тоже не могли. Тем более что вскоре Чик уже начал играть на экскурсионных пароходах, где платили неплохие деньги.

На одном из таких концертов Чика заметил Джон Трухарт – и Чик стал полноправным членом Jazzola Orchestra. В 1924 году Трухарт, оценивший талант Уэбба, помог Чику перебраться в Нью-Йорк. Некоторое время Уэбб был студийным музыкантом, но не очень успешным, поскольку примитивная техника звукозаписи не позволяла в полной мере передать его потрясающую игру. Поняв это, в 1926 году Чик собрал свою первую группу – квинтет под названием The Harlem Stompers – и начал получать ангажементы в таких заведениях как «Black Bottom Club» и «Paddock Club».

В 1927 году джаз-бэнд Уэбба начал достаточно регулярно участвовать во входивших в моду «битвах оркестров» в «Savoy Ballroom». После ряда безоговорочных побед над оркестрами Флетчера Хендерсона, Кинга Оливера, Фесса Уильямса, Ллойда Скотта, Алекса Джексона и многих других, в 1931 году Уэбб получил предложение от хозяина «Savoy Ballroom» Мо Гэйла стать «собственным» оркестром заведения. Играть в «Savoy Ballroom» означало быть самым популярным оркестром Нью-Йорка, так что Чик согласился, почти не раздумывая. The Harlem Stompers были переименованы в Chick Webb Orchestra, менеджером которого стал Мо Гэйл. Оркестр регулярно играл в «Savoy Ballroom», продолжая в «битвах оркестров» разрывать противников в клочья – на этот раз оркестры Бенни Гудмана, Каунта Бэйзи, Дюка Эллингтона.

Оркестр Уэбба был одним из лучших оркестров Эры Свинга, хотя в нём не было множества сильных солистов, как в других оркестрах. Но поразительный талант Уэбба в сочетании с аранжировками Эдгара Сэмпсона и сильным составом – в оркестре играли Уомэн Карвер, Алекс Хилл, Бобби Старк, Чарли Диксон, Элмер Уильямс, Хилтон Джефферсон, Гэрвин Башелл, Дон Кёркпатрик, Дик Вэнс, Джордж Мэтьюз, Джонни Ходжес, Тони Хардвик, Бенни Картер, Джимми Харрисон,Тафт Джордан, Сэнди Уильямс, Дон Редмэн, Луис Бэйкон, Джон Кёрби, Марио Бауза, Луис Джордан – создали особый стиль, благодаря которому Чик был назван «Королём «Савоя».

Долгое время вокалистом был Чарли Линтон, но Мо Гэйл, став менеджером оркестра, настаивал на необходимости найма кого-нибудь помоложе и постильнее. Было рассмотрено несколько кандидатур, но все они не устраивали либо Уэбба, либо Гэйла. В 1934 году пресс-агент оркестра Барду Али увидел на любительском конкурсе, проводившемся в «Apollo Theater», нескладную девочку с несравненным голосом. Али привёл 16-летнюю Эллу Фицджеральд в гардеробную Уэбба и практически насильно держал Чика в кресле, пока Элла пела. Чик был впечатлён, но внешность Эллы мягко говоря не соответствовала принятому стандарту, так что он сказал: «Мы завтра играем в Йельском университете – если она понравится этим ребятам, мы её возьмём». Студенты были от Эллы в восторге, и даже Мо Гэйл, сначала пришедший в ужас при мысли что эта дурнушка будет петь в его заведении, согласился с решением Чика оставить Эллу в оркестре. Как оказалось, не зря – первая же запись Эллы с оркестром, сделанная в 1935 году – «Are You Here to Stay» и «Love and Kisses» – стала немедленным хитом. Поскольку Элла была сиротой, то Чик и его жена Салли удочерили её. Чик, понимавший что Элла является редчайшим сокровищем, никогда не отказывал другим бэнд-лидерам, часто «занимавшим» Эллу для какого-либо особого представления.

В конце 1935 года Мо Гэйл рассудил, что гастролируя оркестр может зарабатывать гораздо больше, и в 1936 году оркестр Уэбба начал выступать в бостонском «Livagie», крайне популярном у студентов элитных колледжей. Тогда же Гэйл организовал для оркестра серию выступлений в лучших залах Нью-Йорка, в том числе в «Paramount Theater» и «Park Central Hotel» (до Чика в этом отеле никогда не играл «чёрный» оркестр).

К 1938 году состояние здоровья Уэбба сильно ухудшилось – у него развился туберкулёз позвоночника. Чик падал в обморок от переутомления почти на каждом концерте, но тем не менее не хотел ни на минуту отказаться от плотного графика выступлений, как с оркестром, так и со сформированным в 1937 году квинтетом Chick Webb and his Little Chicks. В начале 1939 года он был помещён в John Hopkins Hospital в Балтиморе, где ему сделали сложнейшую операцию, которую по сути стоило бы назвать просто экспериментом. Операция не дала никакого результата. Говорят, что последними словами Чика, знаменитого своей вежливостью, были: «Извините, но я должен идти». Процессия на его похоронах состояла из 80 автомобилей, а церковь не смогла вместить всех скорбящих. После смерти Уэбба Элла пыталась некоторое время держать оркестр на плаву, разделив руководство с Тэдом МакКри и Эдди Бэрфилдом, и переименовав его в его Ella Fitzgerald Orchestra, но в 1942 году оркестр всё-таки прекратил своё существование.
Источник

Art Blakey прошел школу свинга, но в дальнейшем придерживался ориентации прежде всего на бибоп и хард-бопа (до последнего времени). Art Blakey внес свой вклад в развитие кул-джаза (например, в составе комбо Майлза Дэвиса). Вслед за Xорасом Сильвером и не без его влияния Art Blakey стал активным сторонником соул-фанк стиля. Art Blakey постоянно стремился к расширению границ стилевой сферы хард-бопа, к обновлению и совершенствованию своей исполнительской манеры. Art Blakey достиг высокого уровня виртуозного мастерства, максимальной свободы выражения в импровизации. Одним из первых Art Blakey вывел ударные инструменты за рамки фоновой «аккомпанирующей» функции и регулярной метрической пульсации, вступая в органичное взаимодействие с мелодическими инструментами ансамбля. Art Blakey яркий представитель традиций хот-джаза, склонный к проявлениям экстремального динамизма, мощным нагнетаниям ритмического напряжения, неожиданным «вспышкам», «взрывам» энергии. Широко использовал сложные полиритмические наложения, разнообразные формы перекрестной ритмики, временные смещения, сжатия, расширения тех или иных ритмических формул, стомпинг-эффекты. Art Blakey продемонстрировал в соло и брейках способность ударных инструментов выступать не только в ритмической, но и в мелодической функции, самостоятельно осуществлять разработку тематического материала. Art Blakey барабанщик и руководитель оркестра. Получив в школе несколько уроков игры на фортепиано, Art Blakey уже в седьмом классе был штатным музыкантом — возглавлял коммерческий оркестр, однако вскоре увлекся ударными инструментами, на которых самостоятельно выучился играть в агрессивной свинговой манере Chick Webb, Sid Catlett Ray и Bauduc. Осенью 1942 года Art Blakey заключил контракт на совместные с Mary Lou Williams выступления в Kelly's Stable в Нью-Йорке. Затем он играл в Fletcher Henderson Orchestra (1943-1944 гг.), с которым совершил большое турне по Южным штатам. Покинув Henderson, Art Blakey kороткое время в Бостоне возглавлял биг-бэнд, после чего присоединился к организованному в Сент-Луисе новому оркестру Billy Eckstine. В годы работы с Eckstine (1944-1947) Art Blakey вместе со своими коллегами по оркестру включился в музыкальное движение — "модерн-джаз" (среди них были Miles Davis, Dexter Gordon, Fats Navarro). Когда Eckstine распустил свой оркестр в 1947 году, Art Blakey организовал Seventeen Messengers — репетиционный оркестр и записался с октетом, именовавшимся Jazz Messengers, — первым из целого ряда его ансамблей, носивших это название. После этого Art Blakey совершил путешествие по Африке, продолжавшееся, предположительно, более года, во время которого познакомился с культурой ислама. В начале 50-х годов он концентрировал и участвовал в радиопрограммах с такими музыкантами, как Charlie Parker, Davis и Clifford Brown и, что особенно важно, с Horace Silver — его добрым музыкальным гением той поры. После нескольких совместных записей в 1955 году Art Blakey и Silver создали ансамбль с участием Hank Mobley и Kenny Dorman, сохранив название Jazz Messengers. После ухода в 1956 году Silver руководство этим весьма значительным ансамблем перешло к Art Blakey, который не расставался с ним вплоть до конца 80-х годов. Это была первообразная группа стиляхард-боп, игравшая энергичный жесткий вариантбопa сочевидной блюзовой основой. Многие годы ансамбль Jazz Messengers служил плацдармом для молодых джазовых музыкантов, таких как Donald Byrd, Johnny Griffin, Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Keith Jarrett, Chuck Magione, Woody Shaw, JoAnne Brackeen и Wynton Marsalis. Помимо многочисленных гастролей и записей с Messengers, Art Blakey в 1971-1972 гг. совершил мировое турне с Giants of Jazz (с Dizzy Gillespie, Kai Winding, Sonny Stitt, Thelonious Monk и McKibbon) и часто выступал как солист на Newport Jazz Festival в Нью-Йорке, особенно незабываемо его участие в "битве на барабанах" с Max Roach, Buddy Rich и Elvin Jones (1974). Art Blakey продолжал поддерживать напряженный график выступлений до 80-х годов. Среди его партнеров по ансамблю после 1982 года были Terence Blanchard и Donald Harrison, а в 1987 он руководил септетом молодых музыкантов, в котором среди прочих играли тромбонист Delfayo Marsalis и пианист Benny Green.
Blakey — один из виднейших деятелей современного джаза, выдающийся музыкант и тонкий стилист. Уже в ранних записях с оркестром Eckstine и особенно в исторических сессиях с Monk в 1947 году его игра исполнена мощи и новизны, глубокое звучание тарелок перемежается часто повторяемыми, яркими, четко расставленными акцентами на малом и большом барабанах — триплетами и cross-rhythms. Хотя Art Blakey обычно обескураживает сравнение его музыки с барабанным боем жителей Африки, он перенял некоторые из приемов исполнения во время своей поездки в Африку в 1948-1949 гг., в том числе выстукивание по боку барабана и использование локтя для изменения высоты звучания тэм-тама. Позднее он организовывал сессии с участием самых разных исполнителей на ударных, включая африканских музыкантов. Его, нашедшая множество последователей, фирменная манера подчеркивать на hi-hat каждую вторую и четвертую доли такта стала важной чертой его стиля, начиная с 1950-1951 годов. Полнозвучный и доминирующий в ансамбле барабанщик, Art Blakey внимателен и отзывчив по отношению к солистам. Его вклад в джаз в качестве открывателя и воспитателя юных талантов в течение трех десятилетий, не менее значителен, чем его весьма существенное новаторство как исполнителя на своем инструменте.

Источник

Биография

Ранние годы (1930—1960)

Рэй Чарльз родился в небольшом городе Олбани, в штате Джорджия, отец — Бэйли Робинсон, мать — Арета Робинсон. Семья Рэя была очень бедна — как он сам говорил, «Даже среди других чёрных…мы были на нижней ступеньке лестницы, смотря вверх на остальных. Ничто ниже нас — только земля». Семья Рэя переехала в маленький посёлок Гринвилль, в Южной Флориде, когда ему было всего несколько месяцев. Отец не играл значительной роли в жизни Рэя, а через некоторое время после его рождения, он и вовсе бросил их семью, оставив Рэя и его младшего брата Джорджа (George Robinson) на попечение Ареты и её свекрови — Мэри Джейн Робинсон (Mary Jay Robinson). Когда Рэю было пять лет, его брат Джордж, который был на год младше, начал тонуть в лохани, стоявшей на улице. Рэй, который был свидетелем этого случая, пытался ему помочь, но не смог ничего сделать, так как брат был для него слишком тяжёл. Джордж утонул, а Рэй, предположительно от перенесённого потрясения, постепенно начал слепнуть и в возрасте семи лет ослеп полностью.

Как утверждал сам Рэй, причина его слепоты так и осталась неизвестна, но есть данные о том, что это следствие глаукомы. Впервые его музыкальный талант начал проявляться в возрасте 3 лет — этому содействовал хозяин ближайшей аптеки, игравший на пианино. Он поступил в школу для глухих и слепых в Сент-Огустине, штат Флорида. Там Рэй научился азбуке Брайля и игре на нескольких музыкальных инструментах — пианино, органе, саксофоне, тромбоне и кларнете. В школе проявился музыкальный талант Рэя — он пел в баптистком хоре. В 1945 году умерла мать, а ещё через два года — отец.

После окончания школы Рэй участвовал во многих музыкальных проектах, в основном в стилях джаз и кантри. В своём творчестве он черпал вдохновение у известных джазменов — Каунта Бэйси, Арта Тэйтума и Арти Шоу. Первая группа, в которой он принимал активное участие, называлась «The Florida Playboys». В 1947 году семнадцатилетний Рэй, скопив 600 долларов, отправился в Сиэтл. Там он вместе с гитаристом Госсади Макги основал группу «MacSon Trio» (иногда также называемая Maxim). Вскоре он начал записываться, вначале под лейблом Swingtime Records. Первые три его записи — «Guitar Blues», «Walkin' and Talkin'» и «Wonderin' and Wonderin'». Он сотрудничал с известным R&B исполнителем Лоуэллом Фулсоном и его группой, аккомпанируя им на пианино. Вышел его первый хит — «Confession Blues» (1949). Следующая его популярная песня — «Baby, Let Me Hold Your Hand» (1951). После этого он перешёл под лейбл Atlantic records (1952), так как понимал, что «Swingtime Records» никогда не дадут ему желаемой творческой свободы. Его имя вскоре было сокращено до Рэя Чарльза, чтобы избежать путаницы с боксёром Рэем Робинсоном (Ray «Sugar» Robinson). 31 июля 1951 года он женился на Эйлен Вильямс, но уже через год их брак распался. Примечательно, что из 12 детей Рэя только 3 было рождено в браке. В 1955 году Рэй женился вторично, теперь уже на Делле Беатрисе Робинсон (урождённая Ховард). Этот брак продержался до 1977 года.

В 1953 году Рэй выпустил популярный сингл «Mess Around». В этом же году он аранжировал и аккомпанировал на пианино известному блюзмену Гитар Слиму (Guitar Slim), композиция «The Things That I Used To Do», которую они записали, была продана более чем миллионным тиражом. Таким же успешным был и сингл «It Should Have Been Me», который уже целиком принадлежал Рэю. Следующей вершины своей карьеры Рэй достиг в 1955 году, когда вышел сингл «I Got a Woman». Этот сингл поднялся до первого места в R&B чартах. Именно этот сингл чаще всего упоминается, как первая композиция в стиле соул. В это время репертуар Рэя состоял наполовину из госпелов со светскими текстами, наполовину из блюзовых баллад. Своим творчеством Рэй способствовал увеличению популярности R&B и госпела среди широкой аудитории, привлекая новых слушателей — не только чернокожих, но и белых. Рэй был одним из первых музыкантов, популяризировавших традиционно «чёрную» музыку и сделавших эту музыку по-настоящему распространённой среди широких масс.

Основные особенности творчества Рэя раннего периода слышны на пластинке «Ray Charles in Person». Этот альбом был записан радиостанцией WOAK в 1956 году, не как обычно, в студии, а в живом исполнении, перед негритянскими слушателями. В альбом впервые была включена песня «What I'd Say», которая уже во время её живого исполнения в Атланте стала хитом.

Через некоторое время, во время Ньюпортского фестиваля, Рэй завоевал широкую популярность. Там же был записан альбом «Ray Charles at Newport», включавший в себя такие хиты, как «What I'd Say» и «The Night Time (Is The Right Time)».

Рэй постепенно начал выходить за пределы смеси блюза и госпела, начав записывать песни с участием крупных оркестров, джазовыми музыкантами (Милт Джексон) и записал свою первую песню в стиле кантри «I’m Movin On» (с участием Хэнка Сноу).

Средние годы (1960—1980)

Затем Рэй перешёл в компанию ABC Records (известна также как ABC Paramount). Там он получил бо́льшую творческую свободу, и начал расширять свой подход к музыке, однако не стал участвовать в экспериментальных проектах, а принялся записывать песни в стиле поп. В результате этого вышли такие его хиты, как «Unchain My Heart», «You Are My Sunshine», «Hit The Road Jack». В это же время была издана одна из его известнейших песен «Georgia On My Mind» (иногда ошибочно называется «Georgia In My Mind»). В 1962 году он удивил свою, теперь уже гораздо более широкую, аудиторию, издав альбом «Modern Sounds in Country and Western Music», в который были включены такие хиты, как «I Can’t Stop Loving You» и «You Don’t Know Me». Рэй своим альбомом вошёл в оборот музыки кантри, что в то время было невообразимо для чернокожего музыканта. Рэй всю жизнь выступал против расизма и расовой сегрегации — так, в 1961 он даже отменил концерт в Огасте, штат Джорджия, протестуя против расовой сегрегации — во время его концерта предполагалось, что чернокожие и белые зрители должны были сидеть отдельно. Некоторые источники ошибочно указывают, что в течение 20 лет ему было запрещено выступать в Джорджии, на самом же деле такого запрета не было — Рэй просто туда не ездил. На следующий же день после убийства Дж. Ф. Кеннеди Рэй выпустил сингл «Busted» (Разжалованный) — так Рэй помянул конец его антирасистской политики. Также он активно поддерживал и финансировал деятельность Мартина Лютера Кинга.

В 1965 году, в Бостоне, Рэй был арестован за хранение героина и марихуаны. От героина музыкант был зависим в течение 17 лет. Рэй впервые начал употреблять наркотики в возрасте 16 лет. Это долгие годы влияло как на карьеру, так и на личную жизнь музыканта — это была, как он сам выразился, «мартышка на моей спине». Уже в третий раз у Рэя находили наркотики — сначала кокаин и марихуану, затем и героин, но Рэй и в этот раз избежал тюремного заключения. В первый раз полиция нашла наркотики в его гостиничном номере ещё в 1961 году, но дело не получило продолжения, так как у полиции тогда не было ордера на обыск. Он лечился от наркомании в Лос-Анджелесской клинике, поэтому и не получил реального срока в тюрьме, а всего лишь год условно. После этого Рэй окончательно бросил наркотики. Как он объяснял позднее, «Иногда я чувствовал себя ужасно, но как только я выходил на сцену и группа начинала играть, не знаю почему, но это казалось как аспирин — тебе больно, ты его принимаешь и больше не чувствуешь боли». Зависимость Рэя от наркотиков широко отображена в фильме «Рэй». Всю последующую жизнь Рэй выступал против наркотиков. После того, как он бросил наркотики, изменился и его музыкальный стиль. Он стал более близким к популярной музыке, часто стал использовать струнные аранжировки для своих песен. Именно тогда началось его сотрудничество с группой «Raelettes».

После 60-х годов его музыкальное творчество принималось критиками и слушателями неоднозначно — некоторые песни были чрезвычайно популярны, в то время как другие так и остались непризнанными аудиторией. В это время он концентрировал внимание на живых выступлениях. Известнейшая его песня того периода — «Georgia On My Mind», песня, в оригинале посвящённая Хогом Кармайклом девушке по имени Джорджия. Эта песня вскоре была объявлена гимном штата Джорджия (24 апреля 1979 года), и Рэй Чарльз исполнил её в здании законодательного собрания штата. Другая его песня, «America the Beautiful», также имела грандиозный успех. Рэй также снялся в эпизоде фильма «The Blues Brothers» c Джоном Белуши и Дэном Экройдом.

Поздние годы (1980—2004)

В конце 1980-х произошёл ряд событий, ещё более увеличивших признание Рэя среди молодой аудитории. В 1985 году «Night Time Is the Right Time» появилась в серии «Happy Anniversary» популярного телешоу «The Cosby Show». В 1985 году Рэй выступал во время инаугурации Рональда Рейгана. С этим выступлением связан эпизод, позднее бросивший тень на репутацию Рэя. Известно, что Рэй был убеждённым демократом, а Рейган — республиканцем. Рей согласился выступать только за неслыханно высокий по тем временам гонорар в 100 000 долларов. Комментируя этот факт, агент Рэя Джо Адамс сказал: «За такие деньги мы бы выступили и на собрании Ку-Клукс-Клана». В 1986 году он исполнил песню «America the Beautiful» во время шоу «WrestleMania 2». Рэй участвовал в рекламной кампании «Diet Pepsi». Во время этой кампании Рэй использовал знаменитый слоган «You Got The Right One, Baby!». Также он участвовал в телешоу «The Super Dave Osbourn Show». В начале 90-х годов Чарльз участвовал в нескольких музыкальных проектах — так, в частности, в проекте своего давнего друга Квинси Джонса «I’ll be good to you» (1990).

В 1996 году на открытии Олимпийских игр в Атланте Рэй Чарльз исполнил свою классическую песню «Georgia On My Mind». В этом же году он выступил и на инаугурации Билла Клинтона — за три года до этого президент вручил ему Национальную медаль искусств.

В 2000 году Рэй в своём творчестве вернулся к джазу и выпустил композицию «In the Spur of the Moment», посвящённую Стиву Тарру.

В 2002 году Рэй участвовал в фестивале коньяка в Южной Франции. Во время выступления один из фанов взбежал на сцену и начал исполнять одну из песен Рэя «Mess Around» а капелла. В знак своего уважения Рэй начал играть музыку этой песни. В мае 2003 года Чарльз провёл в Лос-Анджелесе концерт — 10000 по счёту.

Одно из последних публичных выступлений Рэя произошло в 2003 году, во время ежегодного банкета журналистов электронных СМИ, который происходил в Вашингтоне. Он исполнял песни «Georgia On My Mind» и «America the Beautiful». Последнее выступление Рэя Чарльза произошло 30 апреля 2004 года в Лос-Анджелесе. Здоровье Рэя было подорвано операцией на бедре, от которой он долго не мог оправится — несмотря на болезнь, он продолжал работу над альбомом «Genius Loves Company». Рэй умер в возрасте 73 лет, в своём доме в Беверли-Хиллз, штат Калифорния. Причиной его смерти стало обострение болезни печени. «Я не буду жить вечно», — как-то сказал Рэй Чарльз во время интервью на студии звукозаписи. — «Ума, чтобы это понять, мне хватает. Дело не в том, как долго я буду жить, вопрос только — насколько красивой будет моя жизнь». Рэй похоронен на кладбище Инглвудского парка, в Инглвуде, штат Калифорния. Через два месяца после его смерти вышел его последний альбом, «Genius Loves Company». В этот альбом вошли песни, исполняемые Рэем совместно с другими музыкантами. Среди них такие имена, как Б. Б. Кинг, Ван Моррисон, Джеймс Тэйлор, Майкл МакДональд, Элтон Джон, Бонни Райт, Нора Джонс и Джонни Матис. Этот альбом получил 8 престижных наград «Грэмми». Пять из них присуждены самому Рэю — «Лучший Поп-вокальный альбом», «Альбом Года», «Запись Года», «Лучшее Поп Сотрудничество» (песня «Here we go again» дуэтом с Норой Джонс) и «Лучшее Госпел исполнение». Из всех своих многочисленных песен Рэй выбрал одну — «Over the Rainbow», которая должна была быть исполнена на мероприятиях, посвящённых его памяти.

Личная жизнь

Рэй Чарльз был дважды женат и является отцом двенадцати детей от девяти женщин. [1][2] Его первый брак с Эйлин Уильямс был коротким: с 31 июля 1951 до 1952 года. У него трое детей от второго брака с Деллой Беатрис Говард Робинсон: с 5 апреля 1955 до 1977 года. В момент смерти его подругой и партнёром была Норма Пинелла.

Его дети:

* Charles Wayne Hendricks (сын от Marge Hendricks — один из Raelettes)
* Evelyn Robinson (дочь от Louise Mitchell)
* Raenee Robinson (дочь от Mae Mosely Lyles)
* Sheila Robinson (дочь от Sandra Jean Betts)
* Vincent Kotchounian (сын от Arlette Kotchounian — работала с ним в качестве фотографа над альбомом Would You Believe)
* David Robinson (сын от Della Robinson)
* Ray Charles Robinson, Jr. (сын от Della Robinson)
* Reverend Robert Robinson (сын от Della Robinson)
* Reatha Butler
* Alexandria Bertrand (дочь от Chantelle Bertrand)
* Robyn Moffett (дочь от Gloria Moffett)
* Ryan Corey Robinson den Bok (сын от Mary Anne den Bok)

Чарльз дал каждому из 12 детей по $1,000,000 в 2004 году [3] незадолго до своей смерти.

[править] Биографический фильм «Рэй»

Основная статья: Рэй (фильм)

О жизни Рэя Чарльза был снят биографический фильм «Рэй», который вышел на экраны вскоре после его смерти — 19 октября 2004 года. Режиссёр фильма — Тэйлор Хэкфорд. Самого Чарльза играл Джейми Фокс. Бюджет фильма составил 40 миллионов долларов. Тэйлор Хэкфорд участвовал в создании фильма также как продюсер и сценарист. Фильм отображает период с 1930 по 1966 год. Джейми Фокс получил премию «Оскар» в номинации «Лучший Актёр» за эту роль. Фильм основан на автобиографии Рэя, изданной в 1978 году и называвшейся «Брат Рэй» (одно из прозвищ Рэя).

Награды

Во время одного из его награждений Рэй был описан, как «один из самых уважаемых певцов своего поколения… пионер, который смёл барьеры между светскими и духовными стилями, между белой и чёрной поп музыкой». Сам же он говорил просто — «Музыка была на свете очень давно, и будет после меня. Я просто старался оставить свой след, сделать в музыке что-то хорошее». В августе 2005 года Конгресс США переименовал почтовое отделение West Adams Station в Лос-Анджелесе в «Станцию Рэя Чарльза» (Ray Charles Station). В 1976 году он стал одним из первых музыкантов, попавших в Зал Славы штата Джорджия. В 1981 году он удостоился собственной звезды на Голливудском Бульваре Славы. В 1986 году он попал в Зал Славы Рок-н-Ролла, был награждён французским Орденом литературы и искусств, а в 2004 году — попал в Зал Славы Джаза. За свою карьеру Рэй выиграл 12 премий Грэмми, не считая премии за вклад в развитие музыки, которой он был удостоен в 1987 году. Полный список «Грэмми», полученных Рэем :

* 1960 — Лучшее вокальное исполнение (Одна запись или трек, Мужчины) — за «Georgia On My Mind».
* 1960 — Лучшее исполнение поп-музыканта (Соло) — за «Georgia On My Mind».
* 1960 — Лучшее R&B исполнение за «Let the Good Times Roll».
* 1960 — Лучший вокальный альбом (Мужчины, Вокальное исполнение) — за «The Genius of Ray Charles».
* 1961 — Лучшая R&B запись — за «Hit The Road Jack».
* 1962 — Лучшая R&B запись — за «I can’t Stop Loving You».
* 1963 — Лучшая R&B запись — за «Busted».
* 1966 — Лучшая R&B запись — за «Crying Time».
* 1966 — Лучшее R&B исполнение (Соло, Вокал) — за «Crying Time».
* 1975 — Лучшее R&B исполнение (Вокал, Мужчины) — за «Living For the City».
* 1990 — Лучшее R&B исполнение (Дуэт или группа, Вокал) — за «I’ll be Good To You» (вместе с Чакой Каном (Chaka Khan)).
* 1993 — Лучшее R&B исполнение (Вокал, Мужчины) — за «A Song For You».

Для Стиви Рэя всё началось с несчастного случая. Его старший брат Джимми сломал ключицу, играя в футбол, и, в утешение, Steve Stevenson, друг семьи, подарил ему трёхструнную гитару.
Маленькому Стиви также захотелось играть, вот так они и приобщились к музыке. Братья в тот период слушали B.B. King, Muddy Waters, T-Bone Walker, Slim Harpo, Chuck Berry, Larry Williams, Buddy Guy и др. Кумиром Стиви был Albert King. Это дало миру одного из величайших блюзменов современности.

1954 - Stephen Ray Vaughan родился 3-го октября в Далласе, штат Техас.

1963 - Старшему брату Джимми (род. 1951) подарили гитару в качестве утешения после перелома ключицы. Первая гитара Стиви Рэя была Gibson Messenger Hollow Body, подаренная ему братом.

Молодой Stevie Ray VaughanYoung Stevie Ray Vaughan

1965 - Друг Джимми Doyle Bramhall, восхищённый игрой Стиви Рэя, он поощряет его заниматься музыкой. Стиви вспоминал: "Он первым похвалил меня".

1967 - Напуганные пристрастием сыновей к наркотикам и алкоголю, родители, Jimmie и Martha Vaughan пытаются поставить крест на музыкальной карьере Джимми и Стивена. Шестнадцатилетний Джимми уходит из дома и снимает квартиру с Doyle Bramhall.
Стиви Рэй, несчастный и подавленный, остаётся с обеспокоенными родителями, которые строго пресекают занятия музыкой.

1970 - Стиви работает в местной забегаловке fast-food. Он увольняется после того, как упал в бочку с жиром, и решает посвятить себя своей давней мечте - стать музыкантом. Стивен организует свою группу Blackbird. Так он описывал роковой случай с бочкой в одной телевизионной передаче:

"В мои обязанности входило чистить мусорные баки. Однажды вечером я стоял на крышке бочки, и вдруг, крышка провалилась. Я оказался по грудь в жире и сразу тогда решил - с меня хватит! Я буду играть на гитаре."

В мае старший брат Джимми вместе с Doyle Bramhall переезжает из Далласа (Dallas) в Остин (Austin).

1971 - Стиви учавствует в записи двух песен школьной группы Cast Of Thousands. Во время рождественских праздников он и группа Blackbird переезжают в Остин.

1972 - Стиви переходит в рок-группу Krackerjack, но спустя несколько месяцев оставляет её из-за того, что основной вокалист потребовал от членов группы разукрашивать себе лицо для выступлений. Бас-гитарист из Krackerjack, Tommy Shannon, в будущем станет участником Double Trouble.

1973 - Marc Benno приглашает Стиви в свою группу The Nightcrawlers. Doyle Brahmall также член этого коллектива. В этом же году The Nightcrawlers переезжают в Голливуд для записи альбома на студии A&M records. Студия A&M решает не издавать альбом, и разочарованная группа возвращается в Техас. В музыкальном магазине Остина Ray's Music Exchange Стиви находит стратокастер 59-го года. Он называет гитару "Number One", которая станет его любимой гитарой до конца жизни.

1974 - Стиви Рей переходит в популярную группу Остина "Paul Ray and the Cobras". Следующие два с половиной года Стиви оттачивает свой талант на сценах Остина.

Stevie Ray Vaughan SmilingStevie Ray Vaughan play Acoustic Guitar

1977 - The Cobras выигрывают приз "Группа года" в музыкальных списках Остина. В сентябре Стиви оставляет группу и собирает собственный коллектив Triple Threat Revue, чтобы играть блюз и ритм-н-блюз.
Участники новой группы: Stevie Ray, W.C. Clark (бас), Lou Ann Barton (вокал), Freddie "Pharoah" Walden (ударник) и Mike Kindred (клавишные).

1978 - W.C. Clark уходит, его заменяет Jackie Newhouse. В скором времени присоединяется саксофонист Johnny Reno. Позже Chris "Whipper" Layton сменяет Freddie Walden, и группу переименовывают в Triple Threat.

1979 - В августе Triple Threat играют на блюз-фестивале в Сан-Франциско. В декабре Lenora (Lenny) Bailey и Stevie Ray Vaughan женятся в Остине.

Stevie Ray Vaughan Voodoo Chile Stevie Ray Vaughan & Bill Gibbons ZZ Top

1980 - Lou Ann Barton уходит из Triple Threat, и Стиви Рей переименовывает группу в Double Trouble.
1-го Апреля Double Trouble выступают в клубе Steamboat 1874. Выступление записывается для радио и в 1992-м году будет выпущено альбомом In The Beginning.

1981 - 2-го января Tommy Shannon заменяет бас-гитариста Jackie Newhouse. Запись выступленя на музыкальном фестивале в Остине попадает в руки Микки Джагера.

1982 - 22-го апреля в Нью-Йорке Стиви и Double Trouble играют на специальном вечере the Rolling Stones. Группа выступает на международном джаз-фестивале в Монреале, Швейцария, впервые в практике этого фестиваля, когда приглашается неизвестная и неиздававшаяся ранее группа. David Bowie, который был на фестивале, приглашает Стиви участвовавать в записи своего альбома Let's Dance.
Jackson Browne, который также слышал Double Trouble на фестивале, предлагает группе бесплатно пользоваться студией Downtown Studio в Лос-Анжелесе. На этой студии за два дня записывается альбом Texas Flood. Stevie Ray Vaughan & Double Trouble подписывают контракт с Epic Records у легендарного John Hammond.

Stevie Ray Vaughan Texas Flood Style Of PlayStevie Ray Vaughan & Double Trouble At Begining

1983 - 13-го июня выходит Texas Flood, первый альбом Stevie Ray Vaughan & Double Trouble. Альбом претендует на Грэмми по двум номинациям: "Best Traditonal Blues Recording" и "Best Rock Instrumental Performance" (за "Rude Mood"). Группу приглашают на телепрограмму "Austin City Limits". Стиви Рэй выигрывает читательские призы "Guitar Player" в категориях "Best New Talent", "Best Blues Album" и "Best Electric Blues Guitarist", побеждая самого Эриса Клэптона (Eric Clapton)!
Стиви Рэй Вон становится вторым гитаристом, которому удаётся выиграть сразу три приза за один год (до него это удавалось только Джефу Бекку (Jeff Beck).
Стиви Рэй будет выигрывать приз "Best Electric Blues Guitarist" ежегодно вплоть до 1991-го года.

1984 - 15-го мая выходит Couldn't Stand The Weather. Стиви получает свой первый Грэмми в номинации "Best Traditional Blues Recording" за запись "Texas Flood". Песню "Voodoo Chile (Slight Return)" из альбома Couldn't Stand The Weather номинируют на "Best Rock Instrumental Performnce". В ноябре Стиви Рэй получает два приза W.C. Handy National Blues Awards: "Исполнитель года" и "Блюз-исполнитель года". Впервые в истории белый музыкант получает эти награды.

1985 - Для записи третьего альбома Soul To Soul к группе присоединяется клавишник Reese Wynans. Альбом выходит в сентрябре и становится третьим золотым альбомом Double Trouble. Стиви получает свою пятую номинацию Грэмми: "Best Rock Instrumental Performance" (за "Say What!" из альбома Soul To Soul). 10-го апреля Стиви играет гимн США на открытии национальной бейсбольной лиги в Houston Astrodome, где его освистывает толпа.

1986 - Отец Стивена, Джим, умирает от болезни Паркинсона 27-го августа. 28-го сентября, во время тура по Германии, многолетнее злоупотребление наркотиками и алкоголем сделали свое дело. Медицинская экспертиза показала, что привычка Стивена подмешивать кокаин к виски серьезно повредила желудок. Стиви с трудом выстоял еще два выступления, но последние 21 дня тура отменяют. Стиви помещают в реабилитационную клинику для наркоманов. 15-го ноября выходит Live Alive.

1987 - Стиви и Double Trouble выступают в далласком Fair Park Coliseum, первое выступление, после которого Стиви и Томми Шэннон не напились.
В феврале начинает разводный процесс с Ленни.
Стиви Рей снимается в яркой эпизодической роли в фильме "Back to the Beach", где он выступает в дуэте с гитаристом-легендой Dick Dale. В сентрябре проходит выступление "Blues Session" с Eric Clapton, Phil Collins, B.B. King и Albert King.
13-го октября Стиви Рей кодируется на год от алкоголизма в "Aquarius chapter of Alcoholics Anonymous" города Далласа.

1988 - Stevie Ray Vaughan выступает на MTV в специальной программе "Stevie Wonder's Characters" и дает концерт на фестивале New Orleans Jazz & Heritage Festival. Выступление (вкл. джем с B.B. King, Albert Collins и Katie Webster)
снимается для спецпрограммы Showtime "Coast To Coast". Развод с Леонорой завершен.

1989 - В январе Стивен и Double Trouble выступают на вечеринке, посвященной инаугурации президента Джорджа Буша в Вашингтоне.
6-го июня выходит In Step. Это первый альбом, который был сделан Стиви Реем без употребления наркотиков. Песня "Crossfire" становится первым радио-хитом Стиви и зарабатывает ему еще один Грэмми (номинация "Best Contemporary Blues Recording"). Double Trouble и Джеф Бек едут в совместный тур по Северной Америке.

1990 - 30-го января Стиви Рей выступает с тремя песнями на "MTV Unplugged." В марте и апреле с братом Джимми записывается Family Style. Альбом выходит позже в этом же году. В июне Стивен едет в двухмесячный тур с Joe Cocker.
25-го августа Double Trouble выступают в Alpine Valley, штат Висконсин. В концерте принимают участие Robert Cray, Eric Clapton и Buddy Guy.
Stevie Ray Vaughan, Jimmi Vaughan, Eric Clapton, Buddy Guy, Robert Cray Jam In Alpine Valley

После ошеломляющего успеха и сногсшибательных оваций 26-го числа Стиви Рей садится в вертолет, чтобы лететь в Чикаго. Сразу после полуночи, 27-го августа, Stevie Ray Vaughan погибает, когда вертолет врезается в скрытую туманом гору. Вместе с ним также погибли пилот и трое членов команды Эрика Клэптона .

Stevie Ray Vaughan похоронен на кладбище Laurel Land Cemetary в Далласе . На церемонии присутствовали Billy Gibbons, Stevie Wonder, Buddy Guy, Bonnie Raitt, Ringo Starr и Dr. John.